Né en 1971 au Tamil Nadu
Etudes au EPW Edinburgh
Université für Angewandte Kunst de Vienne
Vit et travaille à Bangalore

Formé à la peinture et aux techniques d’impression, Bala s’est également initié à la sculpture. Il échappe à toute catégorisation. Fasciné par les phénomènes de la perception, sa vulnérabilité, il tente des expériences avec différentes sortes de matériaux (fibre de verre, sable, feu, bronze chromé, matières évanescentes) qu’il explore avec inventivité et avec lesquels il imagine des objets singuliers et opère un travail sur la disparition, l’absence. Souvent, il utilise certaines parties de son corps pour ses propositions : ainsi tête, bras, mains, sont autant de formes blanc sur blanc qui émergent des surfaces (murs, sols), questionnent la perception de la réalité et ses limites.

Née en 1958 au Harar en Ethiopie
Etudes au Design Institute d’Ahmedabad
Vit et travaille à Delhi

Formée aux arts appliquées et à la communication sociale, après avoir travaillé la terre cuite et le bronze pour ses sculptures, la photographie est devenue le médium principal de Sheba Chhacchi. Elle utilise maintenant pour ses installations photographies, textes, sculptures, objets trouvés, son, vidéo. Très intéressée par les écrits et les recherches des féministes des années 80, grande voyageuse, telle une anthropologue, elle a également fait des recherches sur les sadhus, les femmes ascètes pour la série des Gangas’s daughters (femmes renonçantes). Le travail de Sheba Chhacchi est presque toujours inscrit dans une dimension critique et sociale (critique des standards du cinéma populaire de Bollywood), ces œuvres sont souvent une information sur la position de la femme en Inde

Né en 1973 à Chennai
BFA à Karnataka Chitrakala Parishad de Bangalore, Post-diplôme à la MS University de Baroda
Vit et travaille à Bangalore

Krishnaraj Chonat réalise des pièces énigmatiques (sorte de dépouilles précieuses, trophées de chasse) pour lesquelles il utilise des matières textiles synthétiques, cuir, fausses perles de culture. Il aime à juxtaposer le banal et le précieux, le rare avec la profusion, le high avec le low. Il utilise ses matériaux avec enjouement pour des ensembles d’objets proliférant, reflétant l’engouement de la classe moyenne indienne pour le clinquant, le style « nouveau riche » que d’aucuns qualifieraient en Occident de mauvais goût.

Né en 1955 à Lucknow
MS University de Baroda, MA au Royal College of Art de Londres
Vit et travaille à Delhi

Dans ses séries de peintures, Ajay Desai opère avec les phénomènes optiques et une approche formelle plutôt minimaliste et monochromatique. La peinture de Ajay Desai, qui a aussi beaucoup travaillé avec des papiers découpés, offre une ligne graphique très condensée, sorte de réseaux ou de structures musicales et rythmées, en noir et blanc, et constitue une pratique très personnelle qui ne se retrouve que rarement aujourd’hui. Elle explore les possibilités de l’abstraction, les problèmes purement picturaux : ornements, motifs, thèmes, variations mais aussi la ligne, la couleur, la surface, le support.

Né en 1959 à Bombay
Etudes à la JJ School of Art de Bombay
Vit et travaille à Bombay

Atul Dodiya, passionné d’histoire de l’art est une sorte de chef de file des peintres de sa génération en Inde. Constamment, tant avec humour que gravité, il brouille les pistes : figuratif, abstrait, il réalise également des vitrines aux objets presque surréalistes. Atul Dodiya joue sur la superposition de toutes sortes d’imageries – images kitsch et populaires, grandes figures ou événements de la politique indienne (Gandhi, Nehru, l’état de violence au Cachemire et les émeutes du Gujarat) ou occidentale (Clinton, Poutine), autobiographiques mais également images faisant référence à l’histoire de la peinture (suprématisme, constructivisme, abstraction) – et sur le sens qui se dégage de cette collision. Il joue également avec les supports (les rideaux roulant qui ferment traditionnellement toutes les échoppes en Inde), la toile sur châssis traditionnelle mais supportée par une colonne de descente de pluie qui sert d’accroche au tableau.

Née à Lucknow en 1958
Vit et travaille à Delhi
History in Lady Shri Ram College de Delhi, Faculty of Fine Arts à la MS University de Baroda

Formée à l’histoire de l’art, inspirée par des disciplines aussi variées que la paléontologie, l’archéologie, le dessin des bijoux, le théâtre, Anita Dube se réapproprie et subvertit des objets existants : des matériaux industriels (plastique, câble, élément de charpente), des matières utilisées dans l’artisanat (fils, perles de verre, velours), des fragments de corps : os, dents qu’elle détourne de leur fonction initiale, ainsi dans cette série de sorte d’instruments de chirurgie recouverts de velours rouge, devenus objets d’un rituel pervers.
Empreint de mémoire, d’histoire, de mythologie, le travail in situ d’Anita Dube a souvent un regard critique, une portée sociale et politique. Elle réutilise les yeux de verre qui servent d’offrandes dans les temples pour les coller dans un angle du mur, créant de cette manière une sorte de dégoulinade qui vient à la fois suggérer le corps et déjouer l’idée d’ornement. Ses dernières œuvres sont des reprises exactes des jaali (motifs architecturaux ajourés) présents dans les grands monuments mogols, réalisés avec des emballages de polystyrène.

Née en 1957 à Bhadravati
Vit et travaille à Bhadravati
Ken School of Art de Bangalore, MS University à Vadodara, Post-Diplôme à Santiniketan, MA Royal College of Art de Londres

Tout d’abord initiée à la peinture, le travail de Sheela Gowda a subi une profonde modification lors des émeutes de 1992 à Bombay et du retour des fondamentalistes hindous au pouvoir. Elle abandonne la peinture et réalise à partir de ce moment-là sculptures et installations. Elle utilise un élément traditionnel et emblématique de la culture indienne, à savoir la bouse de vache, une matière sacrée qui sert à la fois de combustible pour la cuisine et de matériel de construction pour l’habitat. Pour ses sculptures, souvent monumentales, elle emploie aussi des cordes trempées dans le pigment, des tôles de bidons goudronnés, des bouts de bois brûlés comme dans une sorte d’art pauvre qui évoque sa relation très forte à la nature périssable et son rapport à l’Inde rurale.

Née à Bombay en 1976
Etudes à la JJ School of Art de Bombay
Vit et travaille à Bombay

Shilpa Gupta, l’une des fondatrices d’Open Circle, un collectif d’artistes de Bombay aux démarches réactives, crée des sites internet, des vidéos, des installations, réalise des performances et des actions dans l’espace public qui sont ensuite déclinées sur le réseau. Réalisés à partir d’études très sérieuses, ses sites interactifs questionnent l’économie libérale, les flux de la consommation, les problèmes de société tels le trafic d’organes, les phénomènes de religion et posent un regard caustique et provocateur sur la marche du monde global et ses avancées technologiques, une sorte d’incitation au pouvoir de s’autocontrôler

Né en 1964 à Khagaul au Bihar
BFA au College of Arts and Crafts de Patna
Vit et travaille à Delhi

Subodh Gupta s’exprime à l’aide de multiples média : peintures, sculptures, installations, performances, vidéos. Son travail retrace son propre trajet, de la province à Delhi, parcours qui peut être considéré comme une allégorie de l’Inde d’aujourd’hui. Son travail prend le quotidien pour point de départ – un quotidien parfois très ordinaire, comme en témoigne l’utilisation d’éléments de vaisselle en inox, mais qui est présenté à une échelle démesurée. Pour ce faire, il emploie des matériaux, objets traditionnels, véhicules : bouse de vache, ustensiles de cuisines en acier poli, Kuttas (pistolets fabriqués en Inde), Ambassador (un des symboles de l’Inde) avec lesquels il construit des environnements qui questionnent le système des castes, la société de consommation. La vache sacrée indienne est souvent une figure récurrente et centrale dans son travail.

Né à Mysore en 1969
Vit et travaille à Bangalore
BFA au CAVA de Mysore, MFA à la Faculty of Fine Arts de Baroda

Inspiré par une éducation traditionnelle indienne et une formation artistique influencée par la culture occidentale, sa peinture prend comme point de départ le quotidien : il retranscrit dans un esprit ludique le rituel social à l’indienne. Pour ses toiles il mélange habilement la technique de la peinture acrylique et la méthode ancestrale des peintres de miniatures de Tanjore, ville du Sud de l’Inde. Les sujets qui font référence à la vie quotidienne indienne, l’importance des religions (l’hindouisme, l’islam et le bouddhisme en particulier) sont traités de façon délicate et précise avec toujours beaucoup d’humour et quelque irrévérence. Il réalise également des grandes peintures murales dans le contexte qui lui est proposé. Très communicatif, il est souvent invité à concevoir des ateliers dans des associations communautaires pour lesquelles il s’investit généreusement. Ainsi, il élabore des scénarios, des mises en espace avec des enfants suivis de la réalisation de dessins, peintures, reportages photographiques, impressions d’affiches.

Né à Nagpur en 1969
BFA à la JJ School of Art de Bombay
Vit et travaille à Bombay

Anant Joshi aime se servir de la lumière pour révéler les formes. Pour ses installations qui peuvent prendre la forme d’un énorme jeu d’échec, constitué de pièces en céramique très colorées disposées sur une grande table. Les projections lumineuses de ces formes sur le mur renvoient à l’idée de bidonvilles ou ses installations de rideaux réalisés avec des lames de rasoir qui renvoie de silhouettes inquiétantes.

Né à Bombay en 1974
BFA à la JJ School of Art de Bombay
Vit et travaille à Bombay

Pour ses peintures, souvent monumentales, il utilise des techniques modernes : photocopies, photographies d’écran TV, images digitales, qui sont ensuite retravaillées. Ses œuvres mettent à la fois en scène des symboles traditionnels de la culture indienne (éléphants, architectures de temples…), mais traitent également de problématiques sociales et politiques contemporaines : violence, terrorisme, sida.
La pièce en caoutchouc brûlé fait référence à la fois à la célèbre déclaration constitutionnelle indienne et aux troubles politiques et sociaux, émeutes interraciales et ethniques, qui ont eu lieu à ce moment-là.
Les peintures de l’artiste évoquent par leur surface même un paysage urbain, avec ses murs délavés qui portent la trace des graffitis mais font aussi référence aux violents contrastes climatiques en Inde (moussons).

Née à Londres en 1969
Middlesex Polytechnic, Cat Hill à Londres, Foundation Course in Art and Design Polytechnic à Newcastle
Vit et travaille à Delhi

Elle utilise le bindi, micro élément qui est à la fois signe ornemental et symbole de la femme mariée, pour créer des peintures abstraites et ainsi les détourner de leur signification initiale.
Depuis l’année dernière elle a confectionné une sorte de ménagerie d’animaux recouverts de bindis en forme de spermatozoïde. Consciente de leur aspect décoratif qu’elle revendique très haut et fort, l’emploi du bindi est devenu son outil de travail de base et comme une sorte de marque de fabrique.
Elle réalise également des montages photographiques qui représentent des personnages hybrides, pour lesquels elle utilise images et symboles de la vie domestique (appareils électroménagers et autre aspirateur) et questionne l’identité féminine.

Née en 1968 à Saharanpur
Etudes au College of Art de Delhi et au Royal College of Art de Londres
Vit et travaille à Delhi

C’est son propre corps nu que Sonia Khurana met en jeu dans son travail de vidéaste. Ses films et installations dont les images parfois troublées, saccadées révèlent le mouvement, l’instabilité et la fragilité du corps dans l’espace mais aussi la puissance des forces de gravité qui le régissent. Entre tragique et comique, les œuvres de Sonia Khurana déjouent les codes et conventions imposés par la société actuelle.

Né en 1973 à Bangalore
Vit et travaille à Bangalore
BFA au College of Fine Art de Bangalore, MFA au College of Art de Delhi

Les quelques résidences et séjours de Suresh Kumar en Europe ont renforcé son intérêt pour les problèmes sociaux, son inquiétude pour la protection de l’environnement, l’équilibre écologique de la planète, la famine. Il rassemble quantité d’emballages thermoformés, de sacs, papier mâché, des graines et semences, de terre desséchée qu’il recycle dans ses sculptures et installations. De sa dernière résidence en Suisse il a réalisé sur fond de paysage alpin une série de scènes champêtres qui font référence à l’imagerie populaire du cinéma du Sud de l’Inde comparable à celle de Bollywood par ses excès et son côté kitsch jouant, aussi sur le titre Santalwood (bois de santal).

Née à Bangalore en 1956
Vit et travaille à Bangalore
Etudes à la faculté des beaux-arts de Baroda

Dans ses photographies, films, installations, « photos-romans », Pushpamala revisite avec un humour cinglant l’histoire de la photographie (photo de studio) et toute une iconographie indienne (ethnique, coloniale, populaire, cinématographique). Toujours mise en scène dans chacune de ses œuvres, maquillée, grimée, costumée, elle joue sur le sujet et l’objet, la photographe et la photographie. Dans ses différentes séries Bombay studio, Laksmi suite, Native women… elle met l’accent sur les stéréotypes culturels, la question des genres.

Collectif de trois artistes qui vivent et travaillent à Delhi, Jeebesh Bagchi, Monica Narula et Shuddhabrata Sengupta.

Le Raqs Media Collective est un groupe indépendant d’artistes théoriciens des médias basés à Delhi. Ses trois membres, Jeebesh Bagchi, Monica Narula et Shuddhabrata Sengupta, sont les co-fondateurs du Sarai, centre de recherches des média de la ville. Dans leurs travaux, installations, vidéos, ils manipulent les nouveaux média, théorisent sur l’espace urbain, les réseaux, la cyberculture et leur développement spectaculaire en Asie du sud-est et en Inde en particulier. Attentifs au développement de la scène artistique indienne au début des années 90, les notions d’humanisme, de mondialisation, de libre circulation des signes, particulièrement dans l’espace urbain sont au coeur de leur questionnement.

Née à Bombay en 1967
BFA à la JJ School of Art de Bombay, IDD à L.S. Raheja College of Architecture de Bombay
Vit et travaille à Bombay

Les nombreux séjours et résidences de Sharmila Samant en Europe, entre 1998 et 2001, en particulier à la Rijksakademie d’Amsterdam et à Gasworks de Londres ont renforcé son attitude critique vis-à-vis des conséquences de la globalisation et de la société de consommation. L’une des membres fondatrices du groupe d’artistes Open Circle, elle développe des projets, installations interactives évolutives, photographies, vidéos, pour lesquels elle recycle des déchets, par exemple des bouteilles ou des capsules de soda, qui questionnent l’économie de marché, l’identité des territoires. Par l’absence elle évoque aussi le corps, n’en montrant que des fragments, elle pose le problème de la construction de l’identité de chacun.

Née en 1979 à Bhilai
BFA au Royal Institute of Technology de Melbourne et à la School of the Art Institute de Chicago
Vit et travaille à Bombay

Tejal Shah est une jeune artiste très engagée dans les mouvements féministes (Forum Against Oppression of Women, Stree Sangam). Elle aborde ces questions de genre et de sexualité dans ses photographies et vidéos. En reprenant le scénario classique des films populaires indiens, elle en inverse les rôles, le couple des héros étant joué par des femmes travesties, elle déjoue ainsi la pudibonderie hypocrite des circuits commerciaux.
Problèmes politiques, violence sont également au cœur du travail de Tejal Shah : violences contre la minorité musulmane dans l’état du Gujarat.

Né en 1958 à Mysore
Faculty of Fine Art à Baroda
Vit et travaille à Baroda

Les premières peintures de Nataraj Sharma étaient plutôt inspirées par une imagerie pop et kitsch pour devenir ensuite plus graves. La peinture figurative de l’artiste, de belle facture, entretient un rapport distancé avec l’actualité et reprend une iconographie qui renvoie à l’Inde d’aujourd’hui : des grands paysages méditatifs et panoramiques de la campagne indienne, à l’univers industriel de la machine, des ballets d’hélicoptère, la présence des corps : corps au repos, corps dans le jeu, dans le sport.

Née en 1965 à Bangalore
Vit et travaille à Bangalore

Une grande partie du travail vidéo et photo de Surekha est centrée sur la femme et sa condition de vie en Inde. Comme pour un documentaire, elle filme un groupe de brodeuses de toutes générations qui racontent à force de rires leur vie avec un mari alcoolique ou bien dans une série de photographies des fillettes prennent la pose devant un miroir en costume traditionnel, coiffées d’une tresse fleurie de jasmin ou évoquent par l’immersion dans un bain fleuri le rite de la fertilité traditionnel de la femme en Inde. Comment créer un espace féminin dans un contexte où l’imagerie de la femme est sujette à toutes sortes de stéréotypes ? Comment affirmer une subjectivité féminine dans cet espace ?

Né en 1974 à Madras
Vit et travaille à Bangalore

Passionné par les phénomènes urbains, Navin Thomas préfère restituer les sons de la ville plutôt que ses images. Pour ses enregistrements, il capte à la fois la rumeur de la ville mais aussi le timbre des klaxons, des cris d’animaux, les sons du trafic routier, ferroviaire, l’ambiance des gares, d’un compartiment.
De la même façon, c’est l’observation d’un des nombreux centres d’appels téléphoniques installés en Inde, par lesquels transitent des communications émanant de l’autre bout du monde, qui peut être sujet et objet de l’installation sonore. A travers le chassé-croisé entre les voix du conteur et les phrases apprises par cœur, l’œuvre joue sur la perversion de l’identité et travaille sur les contradictions autour de la communication : la communication censée être ici transparente est dévoilée comme étant opaque et problématique.

Née en 1972 à Baroda
BFA et MFA à la Faculty of Fine Arts de Baroda

Photographies, gouaches, dessins au graphite sont tout autant de médiums employés par Hema Upadhyay dont le travail est sous-tendus par le corps de la femme représenté dans l’espace urbain. Avec délicatesse et infinie subtilité, elle explore un monde au-delà du visible dans les contingences rudes de la ville. Elle joue des symboles, des échelles en rassemblant des éléments improbables : suspension réalisée avec des milliers d’allumettes ou comment un objet décoratif peut devenir incendiaire, joue avec les imageries traditionnelles des kamasoutras, des motifs de fleurs de lotus.

Né en 1975 à Chennai
Vit et travaille à Bangalore
Post School progam in the Centre for Learning de Bangalore
Stage au Studio Fronzoni et Studio Sowden à Milan

Plutôt autodidacte dans sa pratique, Avinash s’est formé dans des studios de design et de design graphique à Milan. Outre des éditions, il réalise aussi des installations, sorte de all over d’images. Il rassemble des milliers de clichés saisis dans l’espace urbain indien. Tout autant d’images : détails d’architecture, vues aériennes, panneaux publicitaires, scènes de rue, étals d’échoppes, affiches de cinéma. Il juxtapose ensuite imagerie urbaine et imagerie kitsch indienne jouant sur la différence des deux registres.